di Emiliano Tognetti

Durante il Lucca Comics and Games 2025, insieme ad altri colleghi giornalisti, noi di 7Gifts.org abbiamo avuto la possibilità di incontrare e intervistare Kengo Kurimoto, autore e artista britannico di origini giapponesi. Nell’intervista, Kurimoto racconta con grande sensibilità il processo creativo che ha portato alla nascita del suo graphic novel Il bosco segreto (Ed. Il Castoro), un’opera sospesa tra natura, introspezione e memoria personale. Le sue risposte rivelano un percorso artistico che unisce autobiografia, spiritualità e un profondo desiderio di ricerca.

Kurimoto spiega che, essendo alla sua prima opera di questo tipo, ha impiegato molto tempo a trovare una voce che lo rappresentasse davvero. Non provenendo dal mondo delle graphic novel, si è avvicinato al medium con freschezza e curiosità, imparando attraverso tentativi, errori e numerose riscritture. Solo dopo, ripercorrendo il lavoro, si è reso conto di quanto la storia riflettesse emozioni e passaggi personali del suo vissuto.

Durante la scrittura immaginava due livelli di lettura: quello della bambina protagonista e quello della madre. Due sguardi che si intrecciano e si sostengono, come spesso accade nella vita reale. Questa dualità rispecchia il vero cuore del libro: la relazione con la natura e con il proprio mondo interiore.

Prima di dedicarsi alla scrittura, Kurimoto lavorava nell’industria dei videogiochi, un ambiente creativo ma estremamente tecnico e frenetico. Lo amava, ma la sua intensità lo spinse a fermarsi per respirare. È in quel periodo di pausa che iniziò a chiedersi cosa fosse davvero essenziale per lui, e la risposta arrivò in modo inatteso: dalla natura.

Il momento che gli indicò la strada fu un incontro casuale nel bosco: un tasso che gli passò accanto senza vederlo, seguito dal suo cucciolo. La luce del crepuscolo, il silenzio e quella visione improvvisa lo colpirono come un frammento poetico. Fu l’immagine che gli fece capire di dover raccontare una storia fatta di atmosfere e sensazioni, più che di parole.

Kurimoto non è contrario alla tecnologia, ma riconosce che un eccesso di stimoli rischia di “anestetizzare” la sensibilità. Ritiene fondamentale recuperare il contatto con ciò che è tridimensionale e vivo: ascoltare il canto degli uccelli, osservare un albero, toccare la corteccia. Per questo parla della pratica del sit spot, un luogo personale dove tornare regolarmente per trovare calma e presenza. È un concetto che ha portato nel libro: non serve un grande bosco, basta un piccolo spazio naturale in cui sentirsi parte del mondo.

Uno dei momenti più toccanti dell’intervista riguarda la madre di Kurimoto, affetta da demenza durante la realizzazione del libro. Portarla nei boschi la aiutava a ritrovare serenità: bastava ascoltare insieme i suoni per vederle illuminarsi il volto. È stata un’esperienza che gli ha mostrato come la natura possa offrire radicamento, soprattutto nei momenti di perdita o confusione. «Quando mi sento piccolo o smarrito, uscire all’aperto mi ricorda che faccio parte di qualcosa di più grande», racconta.

Alla domanda sulle influenze giapponesi nel suo stile, Kurimoto risponde che non si tratta di una scelta consapevole. Da bambino sfogliava spesso i volumi d’arte che suo padre aveva portato dal Giappone: pannelli antichi, animali su fondi dorati, composizioni eleganti. Quelle immagini si sono radicate nella sua sensibilità. Cita concetti chiave come l’asimmetria, il ma (lo spazio tra le cose), e una certa spiritualità Shinto, la stessa che percepisce spiriti nei fiumi e nei monti. «Sono idee che riaffiorano naturalmente», dice.

Parla anche delle sue influenze cinematografiche, in particolare dei film di Hayao Miyazaki, che considera fondamentali nella sua formazione emotiva. Ricorda la scena di Totoro in cui l’ombrello di legno fa rimbalzare la pioggia: «Una gioia purissima tratta da un gesto semplicissimo». Un’altra fonte inattesa è Ratatouille, che lo ha ispirato per rappresentare visivamente il canto degli uccelli attraverso forme astratte, quasi sinestetiche.

Originariamente il libro conteneva molti più dialoghi e persino nozioni naturalistiche. Ma a un certo punto Kengo si è accorto che la storia parlava troppo e mostrava troppo poco. Ha capito che la vera protagonista doveva essere la natura. Così, con coraggio, ha ricominciato daccapo, tagliando intere sezioni per lasciare spazio al silenzio, alle immagini, al ritmo lento della foresta. Il risultato è un libro “sussurrato”, costruito più per evocazione che per spiegazione.

Il formato panoramico è una scelta deliberata: richiama il cinema e permette al lettore di respirare. Kurimoto cita Understanding Comics, da cui ha appreso che la larghezza del pannello influisce sul tempo percepito della scena. Il landscape gli ha permesso di rallentare o accelerare la narrazione con naturalezza.

Infine, parla dei personaggi: ciascuno contiene una parte di lui.
Poppy, la bambina distratta dal telefono, riflette una sua debolezza;
Rob, incuriosito dalla natura ma un po’ solitario, un suo lato più introspettivo;
la madre e la nonna, figure ispirate direttamente alla sua famiglia e al legame profondo della madre con la natura.

«È impossibile non finire dentro i propri personaggi», dice sorridendo. E ciò che non ha incluso? Molti aspetti della sua vita che non erano necessari per questa storia: «Materiale per i prossimi libri»

English version:

During Lucca Comics & Games, together with other fellow journalists, we at 7Gifts.org had the opportunity to meet and interview Kengo Kurimoto, a British author and artist of Japanese origin. In the interview, Kurimoto spoke with great sensitivity about the creative process behind his illustrated book/graphic novel The Secret Forest (Il Castoro). His answers reveal an artistic path shaped by nature, introspection, personal memories and a mix of cultural influences.

Kurimoto explained that, as this was his first work of this kind, he spent a long time trying to find a voice that truly felt like his own. Coming from outside the world of graphic novels, he approached the medium with freshness and curiosity, learning through trial, error and many rewrites. Only later did he realize how much the story reflected emotions and experiences he himself was living through.

While writing, he imagined two levels of reading: the perspective of the young girl protagonist and that of the mother. Two viewpoints that interact and support each other, mirroring life itself. This dual structure reflects the core theme of the book: our relationship with nature and with our inner world.

Before turning to writing, Kurimoto worked in the video game industry—a creative, highly technical and fast-paced environment. He loved it, but its intensity eventually pushed him to take a break. In that moment of pause, he began to reflect on what truly mattered to him. The answer came, unexpectedly, from nature.

The turning point was a chance encounter in the woods: a badger that walked right past him without noticing, followed by its cub. The silver twilight light, the silence and that sudden appearance struck him like a poetic fragment. It was the moment that made him understand he needed to tell a story made of atmosphere and sensations more than words.

Kurimoto does not reject technology, but he recognizes that an overload of stimuli can “numb” sensitivity. For him, it is essential to restore contact with what is three-dimensional and alive: listening to birdsong, touching tree bark, observing the details of the landscape. He speaks of the sit spot practice—a personal place to return to regularly to find calm and presence. This concept appears in the book as well: one does not need a national park, just a small natural corner where one feels grounded.

One of the most moving parts of the interview concerns Kurimoto’s mother, who was suffering from dementia while he was creating the book. Taking her into the woods and listening to nature together would brighten her expression. This experience taught him how nature can offer grounding and strength, especially in moments of loss or confusion. “When I feel small or lost, going outdoors reminds me that I’m part of something bigger,” he says.

Asked about the Japanese influences in his style, Kurimoto replied that they are not the result of a conscious choice. As a child, he would often leaf through the art volumes his father had brought from Japan: old panels, animals painted on gold backgrounds, elegant, asymmetrical compositions. Those images became part of his inner landscape. He mentions key concepts of Japanese art—asymmetry, ma (the space between things), and a certain Shinto-like sensitivity, the idea of spirits inhabiting rivers, mountains and forests. “These ideas,” he says, “naturally surfaced in the book.”

Kurimoto also speaks fondly of the films of Hayao Miyazaki, one of his deepest artistic influences. He recalls the scene in Totoro where the raindrops hit the umbrella—“pure joy drawn from something so simple.” Another unexpected influence is Ratatouille, which inspired the visual representation of birdsong through abstract shapes, almost a form of synesthesia.

The book originally contained many more dialogues and even naturalistic explanations. But at a certain point Kurimoto realized that the story talked too much and showed too little. He understood that nature had to be the true protagonist. With courage, he started over, cutting large sections to make room for silence, imagery and the slow rhythm of the forest. The result is a “whispered” book, built more on evocation than explanation.

The panoramic format is a deliberate choice: it recalls cinema and allows the reader to breathe. Kurimoto cites Understanding Comics, from which he learned that the width of a panel affects the perceived duration of a moment. The landscape format enabled him to slow down or speed up the narrative with ease.

Finally, he reflects on the characters: each of them contains a part of him.
Poppy, the girl distracted by her phone, mirrors one of his own weaknesses;
Rob, fascinated by nature yet solitary, reflects his introspective side;
the mother and grandmother are inspired directly by his family, especially his mother and her deep bond with nature.

“It’s impossible not to pour yourself into your characters,” he says. As for what he chose not to include, he explains that many aspects of his life did not belong to this story—“material for future books.”